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domingo, 11 de setembro de 2022

Eu vou te odiar como um idiota odeia: Jão e o fenômeno "coisa de mulherzinha"

Era um sábado quente pra caralho no autódromo de Interlagos quando fui no meu primeiro Lollapalooza - também meu primeiro festival, talvez até meus primeiros Shows De Verdade, se você ignorar o show do Maroon 5 em Fortaleza com minha madrasta uns bons oitos anos atrás, quando meus amigos de ensino médio ainda eram héteros - então não conta de verdade. Eu tinha uma pochete e um sonho: aguentar viva até o show da Miley Cyrus, o último da noite, situação extremamente delicada devido ao meu histórico de passar mal em multidões (vomitei o dia inteiro do show do Maroon 5 em 2014).

Tudo isso pra pintar o quadro de que não era minha intenção gostar tanto do show do Jão no meio dessa tarde quente-caótica, mas eu e Julia tínhamos acabado de ganhar um bucket hat da Olla com camisinhas de graça, então eu tava feliz demais. Coisas de graça me fazem feliz. O show do Jão era teoricamente de graça, também - ninguém calcula quanto custa um só show dentro do valor cheio do ingresso de quase mil reais de um dia de festival. Pra completar, uma parte do meu ingresso era residual de uma Taylor Swift que nunca veio. Feliz demais. 

Tenho essa impressão que shows pela manhã são mais gostosos. Talvez o Cara Do Som não concorde - imagino que dias tornem o trabalho dele meio inútil -, mas eu sou uma mulher de 1,58 de altura, pouca disposição de pular e preocupada demais com meu peso pra subir nos ombros de alguém. Pra além de tudo isso, o show do Jão foi no Palco Onyx, o único palco que fica dentro de um buraco, com toda a multidão em volta numa arquibancada sem assentos. Talvez tenha sido isso - talvez eu tenha que dar o devido crédito às circunstâncias; afinal, foi o primeiro show que eu Vi, na altura dos olhos, sem precisar me confiar no telão atrasado. Talvez. Tudo é um talvez. Fato é que: eu vi. 

Sei lá quem era Jão antes Do Show Que Eu Vi - exceto, é claro, por uma ou duas meninas no TikTok comentando sobre, durante o pré-estouro de Idiota. 

[Isso é mentira. Eu sabia quem era Jão por esses vídeos do Tiktok, sim, que eu inclusive pulava antes de acabar, por achar, como dizem?, cringe. Mas aí saiu a setlist do meu dia no Lolla, e eu não queria ser uma daquelas pessoas que fica parada sem saber letra alguma, minha adolescência como fã de pop no Twitter me treinou pra ser melhor que isso. Em alguma noite qualquer no meu antigo quarto eu coloquei as músicas dele pra tocar, filtrando pelas mais famosas, pois pelo menos essas eu tinha de aprender. A partir daí, o que me fez conhecer o Jão por nome e decidir assistir o show dele ao invés de continuar coletando brindes de graça foi o fato de ele parecer com o Darren Criss. Esse é um ponto muito sensível e pessoal meu, peço que não mencionem, mas o Jão é definitivamente o que o Darren Criss poderia ser se fosse bissexual assumido e mainstream. Fiquei viciada na ideia de que tinha um Darren Criss da 25 de Março aqui no Brasil que tinha dado certo. Foi isso que me fez assistir aquele show na tarde quente de sábado.]

Questão é que: é bom. Não é bom qualquer - não é um bom falso como foi o da Clarice Falcão (horrível), não é um bom normal como foi o do Maroon 5 em Fortaleza; é BONZAÇO. É qualidade palpável que parece ter saído de uma turnê que, sei lá, já que estamos nessa linguagem juvenil, o Harry Styles faria - e o mais intrigante é que nem ele tá fazendo. É grande, é bem produzido, tem cenário, tem contexto, tem umas backing vocal de elite. E isso tudo eu concluí ainda sendo a pessoa que Não Conhecia Jão, que sequer sabia que o nome dele era João Vitor (inaceitável). Fã eu sou hoje, na época eu era público de festival: público que não conhece, público feito por gente que tá passando de bobeira na frente do palco antes do show e decide ficar por lá. Foi esse o caso. Cheguei, encostei. Quando olhei pra trás, não conseguia ver o fim do mar de gente. 

Sei lá quais são os perrengues de ser um novo artista na indústria musical brasileira,  acredito que sejam muitos. Imagino que um nicho específico do Twitter que Não Gosta do conteúdo seja o menor dos problemas de conseguir viver de música nesse país, principalmente independente (até onde eu sei, o Jão tem a própria gravadora). Mas vez ou outra eu esbarro no discurso "não acredito que tem gente que gosta disso de verdade", e, meu Deus, como é irritante a prepotência do gay que escuta Grimes. 

O Jão já tinha a fama de ser "música de encontro de jovens da igreja batista", e como alguém que passou anos na igreja batista, POR QUE NÃO? Dentre todas minhas ressalvas quanto igrejas e religião, vocês já viram BANDAS de igreja? Que mal tem? Além do mais, o que é o Justin Bieber hoje se não um líder de jovens de um EJC? 

Geralmente cago com muita elegância pra crítica pessoal que vai contra meus interesses pessoais... hoje. Depois de passar anos e anos perdendo amizades com pessoas que não gostavam da minha personagem favorita, River Song. Desde esse período, sou imune a quem não gosta do que eu gosto. Minha única grande ressalva quanto a isso são os motivos. 

O Jão é visto de canto de olho por um nicho específico da internet por atrair um público que é sempre muito específico e barulhento: meninas adolescentes conglomeradas no TikTok. Na minha época, esse grupo era representado por fãs de Crepúsculo e McFly nos fóruns de comunidade de Orkut, depois Belieber e Directioner no Twitter. Esse grupo sempre existiu e sempre vai existir, pois sempre vai ter menina adolescente com crush no mundo. Fã de música em geral, no Brasil, sempre respeita essa hierarquia inventada e silenciosa de que o produto do interesse desse grupo específico é automaticamente ruim. 

Rolava um texto no Medium um tempo atrás sobre como o kpop era visto dessa forma por ser lido como conteúdo desse grupo de, na sua grande maioria, meninas jovens. Automaticamente se tornava algo a torcer o nariz, pois como poderiam menininhas terem um bom gosto? Sendo brasileiro, então, capaz de carregar todas as minorias. 

É como colocar Jão e Shawn Mendes lado a lado: ambos conteúdos de "torcer o nariz" pela hierarquia inventada, mas, ainda assim, o Jão cai mais pra baixo na pirâmide por ser um produto nacional, perto demais da casinha pra ser olhado com outros olhos que não os de viralata internacional, muito embora a qualidade do que ele entrega seja infinitamente superior à qualidade do Shawn Mendes. 

É esquisitíssimo perceber que um determinado público de ~~críticos musicais, always men, usually gay, que não entenderiam essa referência por nunca terem escutado The Last Five Years, mas que escutam diariamente álbuns de artistas dos confins da Noruega, com músicas de 9 minutos e remixagem de batida em panela que acham Genial, é, na verdade, um grupo feito do mesmo suprassumo dos geriátricos fãs de Iron Maiden que só gostam de rock feito antes de Jesus Cristo nascer. Com uma pitada do cinéfilo que acha os filmes do Tarantino as melhores coisas já criadas, sem admitir que Shrek 2 é muito melhor que Jango.

O Diabo Veste Prada sempre vai ser melhor do O Poderoso Chefão, e tá tudo certo. "Conteúdo de mulherzinha" pode ser do caralho. O quão pedante é ficar preso em scrobbles do lastfm para seus fellow indie gays te analisarem dependendo do quão experimental e desconhecida é a música que você escuta? Que vida vazia e infeliz. Às vezes a gente só quer a simplicidade do conteúdo mulherzinha, pular gritando EU VIM DO INTERIOR segurando uma bandeira LGBT. Isso vindo de uma sociedade que cresceu com É O Tchan. Não dá pra acreditar que nós, como sociedade, perdemos a felicidade de simplesmente curtir.

Não ironicamente, toda essa Superioridade Musical me lembra quem não assiste BBB porque está ocupado lendo livros. 

Meu parceiro, 2022. Vamos nos alienar. 

Cabe a todos nós ser um pouco do Elton John: um clássico, um marco, que depois de velho taca o foda-se e agora só faz pop farofa com artista pop farofa. A vida é muito curta pra envelhecer sem apreciar o novo. Ficar preso no tradicional é tão Bolsonarismo das ideias. Você quer ser comparado a um Bolsonarista? Pense sobre isso. 

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[[Ademais, dentre tantos pecados que cometo sendo fã de Jão, o maior deles, gratuitamente pontuado por minha amiga Clara, é chorar por um ecano da USP.]]

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Na sexta, o Jão se apresentou no Rock in Rio, tranmissão que eu assisti pela TV da Cecília enquanto fingia concluir meu home office - até ter de desligar o trabalho pra chorar. Chorei catarticamente durante a música Imaturo, que nem é uma música triste, mas tem uma força que me puxa quando todo mundo canta É QUE EU SOU FRACO, FRÁGIL, ESTÚPIDO PRA FALAR DE AMOR, porque eu também sou fraca, frágil e estúpida pra falar de qualquer coisa. Chorei freneticamente enquanto lembrava de ter gritado isso no Lolla, mesmo sem saber a música direito, quando morar em São Paulo e me soltar das minhas amarras e demônios em casa era apenas um grande e distante sonho. Continuei chorando quando segui lembrando da segunda vez que berrei isso ao vivo, no show do Jão no Espaço das Américas um mês atrás, com minha namorada me abrançando e voltando comigo pro lar que montamos juntas.

Não é justa a superficialidade que atribuem ao falso "gosto de menininha"; é um conteúdo que pode ser tudo, menos superficial. Meninas jovens são as criaturas menos superficiais que já tive oportunidade de conhecer e ser - sentimos tudo, tudo junto, toda hora. Quando algo é acolhido por esse nicho, geralmente é por ser um porta voz desse caos de sentimentos não racionalizados. Particularmente, isso me pega de um jeito muito específico, de me lembrar que ainda sonho em sair de uma área profissional que adoece pra fazer o que eu amo e quero fazer: colocar meus sentimentos e pensamentos num papel dentro de uma garrafa, jogar no mar, e esperar alguém achar e ler, até que faça sentido. 

Se eu ainda pudesse escolher algo pra ser, um privilégio que toda criança tem, escolheria isso. 

Ser coisa de mulherzinha. 

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domingo, 15 de agosto de 2021

Happier Than Ever e SOUR são, essencialmente, o mesmo álbum

 

Os últimos anos da cena pop musical tem surpreendentemente sido um De Volta Aos Clássicos, o retorno de uma trend esquecida nos anos 2000 como uma calça jeans velha de cintura baixa. Adolescentes nunca pararam de fazer músicas sobre adolescentes, mas a celebração disso se perdeu no tempo, junto com fim da hype dos filmes Crepúsculo, só para voltar agora, na era do streaming e grupos de k-pop. Felizmente, a receptividade dessa cultura por vezes ridicularizada na figura da maior entidade do showbiz (a fangirl), hoje se consolidou em algo que toca tanto no rádio quanto nas trends do TikTok. Não importa o conteúdo ou o meio, ele vai chegar até você. 

Ouvi falar de Billie Eilish pela primeira vez depois da minha própria adolescência, quando ela ainda tomava Leite Ninho para dormir. CATORZE anos era a idade dela, quando a minha já era dezenove, e sempre foi fascinante, mas assustador, conhecer o trabalho profissional de pessoas mais jovens do que eu. Agora já tenho que fazer as pazes com o fato de que todas as novas aparições no universo musical, muito provavelmente, serão mais jovens do que eu - uma lembrança constante do meu próprio fracasso em não conseguir montar minha banda de garagem aos 12. Billie, naquela época, não tinha cabelo verde nem um álbum aclamado pela crítica ainda, mas seu nome constantemente aparecia em playlists e em círculo de amigos que gostavam de ouvir o que ninguém estava ouvindo.

Olivia Rodrigo não teve o privilégio que Billie Eilish teve - de surgir aos poucos, de caminhar lentamente até se estabilizar como um grande nome. Lembro que em algum ponto de 2021 pessoas foram dormir sem saber quem Olivia Rodrigo era, só para acordar no outro dia sem conseguir evitar de aprender a ponte de Drivers License nas primeiras cinco horas do dia, um looping eterno do mesmo vídeo, quando a Internet só falava da mesma coisa. E, por essa música em específico, e pelo instantâneo sucesso que ela teve, planos de EPs foram atualizados para a produção de um álbum inteiro no lugar - o que, honestamente, é genial, do ponto de vista econômico. Billie Eilish, aos 14-15 anos, teve alguns EPs feitos no porão da própria casa para chamar de seu, para integrar playlists de indie alternativo de alguma radfem. Olivia Rodrigo foi arrancada do próprio tecladinho de sua sala de estar para um estúdio de fazer dinheiro - o que é até injusto comparar, porque Olivia não tem um irmão que faz produções musicais num Macbook. Ainda assim ela entregou o SOUR, álbum de maio desse ano, responsável por mantê-la do topo de lista X com números Y etc etc adayada, insira aqui coisas e termos e números e recordes que eu não faço ideia do que significam. 

SOUR tem uma visão bem clara do que deseja (e consegue) passar: o conflito, a insegurança, a incerteza e a chatice da adolescência, quando você já tem consciência que faz tempestade em copo d'água, mas não é maduro o suficiente para racionalizar isso ainda - exceto em música. Foi quando Billie lançou seu segundo álbum (que por muitos é um lançamento amaldiçoado, depois que você ganha um Grammy com o primeiro), Happier Than Ever, que me ocorreu: ambos os álbuns são literalmente sobre as mesmas coisas. O conflito, a insegurança, a incerteza e a chatice, só que vistas em positivo e negativo, o mundo invertido de um Stranger Things musical.

SOUR abre com a que potencialmente é a melhor música do álbum, brutal, milimetricamente calculada para abraçar o momento da vivência de todo jovem em que o único desejo é gritar e falar que tudo é uma merda, quebrar guitarras imaginárias e usar lápis de olho para demonstrar luto espiritual no nosso niilismo adolescente. A música inteira é do ponto de vista de um dia que todos nós já vivemos, quando o café de casa acabou, o ar condicionado da sala de aula pifou, sua melhor amiga não te deu bom dia, você bateu o carro no meio fio ou seu chefe te pediu para ir no dia de folga. É um sentimento que ultrapassa gerações e vivências, muito embora esteja sendo cantado e representado por uma adolescente. A sonoridade remetendo ao pop punk de Avril Lavigne antes de ser substituída é só mais uma prova disso - uma mensagem atemporal, num som nostálgico, gritado por uma voz recente. brutal é a insatisfação com todas as esferas da sua vida, descontando isso no menor dos detalhes para não ter que lidar com a figura geral: eu NÃO sei estacionar um carro, eu NÃO tenho amigos, eu SOU BURRA, eu SOU ANSIOSA, eu QUERO DESAPARECER.  

A música que abre seu álbum-irmão mais novo, Happier Than Ever, grita as mesmas coisas - mas sem gritar. Getting Older começa o álbum com as mesmas perspectivas, as mesmas ansiedades, os mesmos medos, e se atendo aos mesmos minúsculos detalhes da vivência humana - mas o faz num sussurro. Getting Older é uma música de quase um acorde só, sempre no mesmo tom, uma monotonia que só o sentimento de estar completamente estagnado na própria vida pode passar. É até tedioso ouvir as mesmas notas por 4 minutos, até que faz o total sentido ser assim: essa frustração de esperar que algo aconteça na música é exatamente a mesma frustração de esperar que algo mude na sua vida enquanto você reclama dela. Enquanto sua irmã mais velha, brutal, trata das mesmas questões de maneira agressiva e até imatura, tendo que gritar para conseguir ventilar a própria frustração, Getting Older já está tão acostumada com ela que não se dá ao trabalho de desperdiçar mais uma gota sequer de energia. 

Enquanto brutal fala coisas como "tô tão exausta que quero me demitir / pra começar uma vida nova / mas todos vão ficar tão desapontados / porque quem sou eu, se não estou sendo explorada?", Getting Older devolve dizendo "coisas que eu antes gostava / só me mantêm empregada agora / coisas que eu anseio / logo, logo vão me deixar entediada" - o que é uma temática engraçada para tratar em álbuns adolescentes porque O QUE ESSAS GAROTAS SABEM SOBRE EMPREGOS COMUNS? Mas ainda assim. Quando brutal fala que deseja já ter feito isso antes, Getting Older menciona que gostaria de pelo menos saber que estaria fazendo isso sozinha. Quando brutal grita "CARALHO, ESTOU CANSADA DE TER 17 ANOS", Getting Older já inicia dizendo, em um sussurro, que acha que está envelhecendo bem. Ambas se sentem rejeitadas, ambas se sentem incompreendidas, ambas sentem a necessidade de inventar uma personalidade mais interessante e mais divertida do que a realidade - exceto que brutal faz isso com a delicadeza de dois sóis explodindo, e Getting Older faz com uma melancolia de quem já tentou o suficiente para saber quando parar de tentar. 

As duas músicas tem tanto a mesma atmosfera que brutal termina com um suspiro cansado de quem já colocou tudo para fora sem nem atingir a ponta do iceberg: Meu Deus, nem sei por onde começar... é a frase que dá o pontapé inicial na porta de sentimentos de Olivia Rodrigo para toda a experiência sentimental do SOUR, o momento que ela te chama para dentro da história. Getting Older encerra na mesma premissa, quando a última frase que Billie canta é "tive uns traumas, fiz coisas que não queria, tava morrendo de medo de falar para vocês, mas acho que a hora é essa". As irmãs terminam exatamente da mesma forma, dando a brecha para que o resto do álbum entre e conte sua história, como a abertura de um musical de história falada, como páginas de um livro encantado que você é levado para dentro e alguém tem de continuar lendo para ver o que acontece com você. Como em Xuxa: Abracadabra. 

Ambos os álbuns são em formato story-telling, Billie e Olivia tentando te contar uma história com o limite de palavras que elas puderam ter dentro de uma composição. São dois lados da mesma moeda, um SOUR geminiano e um Happier Than Ever leonino. O que define o tom de ambas as narrativas é a forma como elas contam pedaços do que, no final do dia, é a mesma história: um coração partido e o medo de envelhecer. 

Olivia continua contando sua história com traitor, uma balada sobre ter sua confiança traída por alguém que talvez nem soubesse que era confiado dessa forma, um sentimento quase que infantil, como ciúmes de namoradinho de escola. I Didn't Change My Number, o primeiro capítulo da história de Billie, muito embora soe mais adulta e madura que sua associada, tem a mesma mensagem: "não respondi sua mensagem porque tô puta", um sentimento igualmente infantil, mas com uma percepção de superioridade maior. Enquanto a primeira abraça o sofrimento como algo dela, a segunda o renega e faz pouco caso da péssima habilidade que tem em se comunicar. O tom que Billie decide usar em seu álbum, na verdade, segue essa mesma premissa sempre: estou sofrendo, mas sou maior que tudo isso, e você é um merda - ao passo que Olivia prefere escrever sinfonias no piano que moldam seu sentimento de maneira a gerar mais sofrimento, para assim ser curada. 

Em HTE, Billie deixa claro que seu método de tentar superar o que quer que tenham feito com ela é se colocar acima da dor - acima de todo mundo, na verdade. É o que ela debocha em Lost Cause e Therefore I Am, por exemplo, se tornando indisponível não só para o amor romântico, mas também para relações interpessoais de qualquer gênero, se fechando em suas próprias paredes, boas demais para todo o resto. Olivia devolve no seu outro lado da moeda com músicas como 1 step foward, 3 steps back, enough for you e happier, músicas parecidíssimas em ritmo e letras, que é o que acontece quando se escreve três músicas sobre a mesma coisa. Com elas, Olivia repete e repensa no que já foi e no que poderia ter sido, ocupada demais com sua obsessão no que deu errado para notar que está se agarrando em algo que já perdeu, só para não ter que lidar com o fim disso. Enquanto Billie finge abrir mão e deixar ir da maneira mais blasé que consegue demonstrar, Olivia não nega ainda nutrir saudade do que não mais será. Billie não demonstra ter saudades, só ressentimento. Olivia demonstra ter os dois - a fusão de ambos, inclusive, acontece em deja vu.

É uma dicotomia interessante se analisada a primeira música de ambos os álbuns. Getting Older era a música e o entendimento que dava brecha para as músicas seguintes do álbum de Olivia, ao mesmo tempo que brutal era a brecha perfeita para o tom magoadamente desinteressado das demais músicas do Happier Than Ever. Parece que ambas decidiram começar em uma entonação e terminar em outra, ou simplesmente tinham sentimentos complexos demais para se ater a um só. 

É claro que quem fala de dor também fala de amor. Onde já se viu adolescente que não canta sobre estar apaixonado? Enquanto Billie, ao usar de seus (poucos) anos a mais, escolhe fazer isso de forma mais sexual, Olivia se mantem nas rédeas do romantismo Disneyano - que, não por nada, foi onde ela foi apresentada ao mundo. Halley's Comet, provavelmente a única balada do Happier Than Ever, entrega uma Billie acompanhada de um piano forte o suficiente para soar como Can't Help Falling In Love do Elvis Presley - que, propositalmente ou não, também é do que a música se trata. Essa é a composição e letra mais crua do álbum inteiro, e te pega desprevenido por ter um interlude dentro da própria música, uma melodia que parece as composições de La La Land. É uma música que passeia por várias atmosferas, vários meios, assim como o sentimento da qual ela trata: "já fui amada antes / mas nesse exato momento / sinto cada vez mais / como se tivesse sido feita para você". É uma delícia de música, mas sempre com um sentimento melancólico por trás, como se você confessasse seu amor sabendo que algo vai dar errado no final. 

O mesmo sentimento Olivia entregou em favorite crime, uma das mais românticas do álbum, muito embora trate sobre um término. Ao contrário do tom de todas as outras baladas de SOUR, essa toca em uma ferida diferente, uma vez que fica claro que o erro, nesse relacionamento específico, foi mútuo. Não foi Olivia sendo machucada unilateralmente como relata as outras, mas sim duas pessoas se machucando juntas, mesmo que sem querer. Dá a entender que ambas as partes fizeram coisas questionáveis em nome de ficarem juntas, e, mesmo com tudo acabando, a história permanece. As harmonias dessa música te elevam a uma atmosfera musical semelhante à Halley's Comet, como se você deixasse de ser humano por 2 minutos para virar só um coração pulsante de sentimentos, cantarolando "mas digo que te odeio com um sorriso no rosto" e depois gritando a todo pulmão "TUDO QUE EU FIZ SÓ PRA TE CHAMAR DE MEU"!

Billie Eilish nomeou o álbum de Happier Than Ever por um motivo: ela sabia que Happier Than Ever, a música, era sua maior carta na manga. Parece que ela levou o percurso do álbum inteiro para conseguir colocar para fora o que realmente estava sentindo: e essa música é isso, cada letrinha dela. Decomposta em três fases, a música entrega um sentimento que vai crescendo e crescendo e crescendo, ficando cada vez mais alto e mais honesto até explodir em sons escancarados, que só não cabiam nas músicas anteriores, e por isso ela não o fez. Por isso ela aguardou a construção gradual dessa. Pela primeira vez, Billie Eilish gritou, porque sussurrar não parecia o suficiente para grandiosidade de um coração ferido. De longe minha favorita do álbum, tudo que ela andou e falou até aqui culmina nos últimos 60 segundos dessa música - quando você ferve o suficiente para inundar uma cozinha de água quente. Olivia entregou sua semelhante antes mesmo do lançamento do álbum, em seu single drivers license, o que provavelmente é o motivo pelo qual esse momento, no contexto do álbum, não parece tão grandioso. Todo mundo já sabia como drivers license soava, como a batida explodia saindo do refrão para a ponte. Ninguém sabia até onde Happier Than Ever poderia chegar. 

Talvez Olivia tenha entregado sensação semelhante em good 4 you, ao dar essa vontade de sair gritando LIKE A DAMN SOCIOPATH! para qualquer pessoa que não é sociopata. Billie fez o mesmo em Happier Than Ever, na terceira parte da música, quando tudo que a gente queria era gritar numa arena cheia de gente JUST FUCKING LEAVE ME ALONE! Happier Than Ever talvez seja a junção de good 4 you e divers license, juntas numa música só e mantidas em segredo lá no finalzinho do álbum, para ser ouvida só no dia do lançamento. 

(Um ode especial à frase YOU MADE ME HATE THIS CITY, antes da quebra no refrão de Happier Than Ever, uma frase que anda de mãos dadas com I LOVE YOU, AIN'T THAT THE WORST THING YOU EVER HEARD? da Taylor Swift e YOU'RE THE ONLY MOTHERFUCKER IN THIS CITY WHO CAN HANDLE ME da St. Vincent.)

A música que encerra um álbum é tão importante quanto a música que o inicia. hope ur ok é a última música do SOUR, uma quebra de expectativa quando você percebe que Olivia não está cantando para o mesmo garoto das 8 canções anteriores - ou está, mas o faz com outra mentalidade. hope ur ok trata de realidades que não são dela, mas ela o faz de maneira genuína e empática. É uma quebra de expectativa porque, para um álbum totalmente sustentado no Olivia-centrismo, escolher fechá-lo com uma carta de amor à pessoas que ama poderia soar deslocado, se não fosse feito com tanto zelo. Pessoalmente, penso que em um álbum tão explosão-sentimental-adolescente, essa faixa carrega as letras mais pesadas e intensas delas. Olivia sutilmente pontua o sofrimento de outros jovens, jovens como ela, mas que sofrem em perspectivas completamente diferentes - e ela o faz tanto de maneira a aproximar seu próprio sofrimento de coração partido como universal como também a afastá-lo de problemas mais sérios, mais pesados, mais longo prazo. hope ur ok termina como esperança entregue numa bandeja, como uma visão artística que consegue ir além dos próprios sentimentos ao absorver outros. 

Billie termina o Happier Than Ever no mesmo tom - não dando espaço para outras questões, mas sim finalmente dando espaço para ela própria. Depois de libertar tudo em Happier Than Ever, a penúltima faixa, Billie já se demonstra honesta o suficiente na última. Male Fantasy desfaz toda a narrativa montada ao decorrer do álbum, em todas as canções que reforçam definitivamente não querer mais nenhum envolvimento com quem te faz mal. Aqui, só no final, Billie se mostra vulnerável o suficiente, depois de gritar seus pulmões para fora, para dizer que "não consigo superar você / não importa o que eu faça / sei que deveria / mas nunca poderia te odiar". Billie confessa, no encerramento do álbum, que tudo que cantou no decorrer dele era só uma persona, tentando fingir até ser verdade, só para concluir que o sentimento não foi embora, não importa o quão alto tenha gritado. Ao contrário de Olivia, que cantou músicas o suficiente sobre seu sofrimento para conseguir encerrar o álbum tratando de um assunto que não esse, Billie passa o álbum inteiro evitando sua própria dor só para, no final, perceber que ela ainda está ali. 

É claro que os dois álbuns tem suas dissonâncias: Olivia fala muito de inveja e ciúmes, sentimentos que provavelmente vêm da sua vida como uma garota anônima - o que ela já não é mais. Provavelmente não serão temas revisitados em seu segundo álbum. Foi o que aconteceu com Billie: por já ser mais experiente no ramo, substituiu tais momentos em seu álbum para tratar de perseguição midiática, stalkers e fama indesejada. Quanto à percepção do público, enquanto Olivia deixa claro que é uma adolescente em crescimento, Billie dá dicas disso, mas prefere se portar como se já tivesse passado dessa fase. Olivia referencia Glee em suas músicas, Billie referencia The Office.

Ainda assim, quão complementares são esses álbuns - ambas lidando com parecidas peculiaridades da juventude de maneira totalmente diferente, atingindo diferentes resultados.

Ai, ai... Quão complementar é a dor humana...

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Nota da Autora: esse texto de forma alguma quer gerar comparação das duas obras de maneira a rivalizar dois trabalhos diferentes, mas sim a apreciar dois belos trabalhos.


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quinta-feira, 24 de junho de 2021

4 álbuns para ouvir e fingir que Daisy Jones & The Six é real

 

Esqueçam tweets virais e tiktoks sobre geração y e millennials, nós encontramos o Messias dessa divisão. Não importa se você nasceu em 1989 e parte o cabelo de lado, se nasceu em 1998 e não se encaixa em lugar nenhum, ou se nasceu em 2001 e não usa calça jeans - essas diferenças geracionais não importam mais, agora que achamos nosso elo em comum: o TJRU.

Taylor Jenkins Reid Universe. 

Quando li Daisy Jones & The Six pela primeira vez, o mundo não era um cenário apocalíptico ainda. Era a última semana de dezembro de 2019, num sítio isolado onde o único sinal com o mundo externo era por um telefone na parede da sala, minha única preocupação era deixar a massa de cuscuz no ponto certo pra comer no café da manhã na varanda, só pra logo depois colher mangas no parquinho, passar protetor solar, e ficar pra sempre na espreguiçadeira na beira da piscina, com toda uma floresta atrás de mim. 

Nessa época eu também estava apaixonada por alguém que eu achava não poder ter. Saí para o meu retiro espiritual certa de que aquilo seria bom, que eu não só precisava como merecia passar dias sem contato externo, sem ansiar a próxima mensagem que o objeto do meu amor não correspondido poderia me mandar. Toda manhã eu fazia meu cuscuz, colhia minhas mangas, colocava um biquini e saía pra piscina, procurando uma sombra em que eu pudesse sentar com o livro de minha escolha, e finalmente, depois de muito tempo, relaxar. 

Exceto que o livro que eu levei foi Daisy Jones & The Six. E a piscina era ótima, a floresta com trilha atrás de mim era ótima, a completa falta de barulho humano dando lugar ao barulho da natureza era ótimo - mas, ainda assim, eu era uma menina com um amor não correspondido que estava lendo Daisy Jones & The Six. 

Seguro dizer que ali, mesmo na beira da piscina usando um chapéu azul, eu estava em completo estresse por ser uma Daisy Jones perdidamente apaixonada por um Billy Dunne. 

Mas isso é história pra outro tipo de texto.

(sim, nós namoramos hoje).

Depois de alguns livros completamente normais, nada muito diferente do conteúdo de qualquer outro livro young adult de livraria de shopping, Taylor Jenkins Reid descobriu, numa revelação que só pode ter sido Divina, que seu nicho era um bem específico: escrever histórias sobre pessoas famosas que não existem. Tenho essa teoria de que os livros da Taylor que tratam sobre fama fizeram tão mais sucesso que seus romances básicos anteriores porque esses famosos parecem mais reais do que os anônimos dos livros de sessão da tarde. 

É improvável que você termine Evelyn Hugo sem pensar quem seria a Evelyn Hugo da vida real. É improvável que você termine Daisy Jones & The Six sem pesquisar se essa é uma banda que existiu de verdade. "Eu acabei de ler um memoir de uma banda real que eu nunca ouvi falar?"

Todo mundo quer saber quem é, quem foi, ou quem teria sido Evelyn Hugo, Daisy Jones, Mick e Nina Riva. Absolutamente ninguém vai ligar se Emma Blair é uma pessoa que existiu ou não, em quem ela é inspirada, quem ela poderia ser. Quem diabos é Emma Blair?*

Pra mim, essa é a magia do universo da Taylor Jenkins Reid, onde a menção de novas personalidades públicas em cada livro pode virar um nova história, um novo enredo, uma nova fama. E se você lê esse blog, é certo que você gosta de fofoca de Hollywood. Então não interessa se de cabelo de lado ou no meio, todo mundo tem Taylor Jenkins ao seu favor. 

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Minha paixão por bandas de rock vai beeeem mais atrás, em tardes na casa do meu pai, grandes caixas de som e pendrives no som do carro. Meu pai se denominava uma "enciclopédia do rock", nas palavras dele, e tudo do mais clássico ao mais underground eu ouvia. Tinha de ouvir. "Rock não foi feito pra se escutar em volume baixo", meu pai também dizia. 

Que Deus o tenha.

Ele não morreu, ele só parou de falar comigo.

Eu e meu pai sempre tivemos uma realidade e vivência conturbada - ele conseguia ser a parte mais normal e mais tóxica da minha vida, ao mesmo tempo. Ao sair dela, meu pai não me deixou muitas coisas. Mas uma herança cultural ele deixou. Não tenho pra quem ligar quando brigo com minha mãe ou quando furo o pneu do carro, mas ainda tenho histórias sobre discos do Raul Seixas, rankings dos melhores bateristas de rock da década rereretrasada, intrigas de colegas de banda e uma curadoria das melhores lojas da Galeria do Rock pra achar camisetas de heavy metal - inútil pra muitos, mas da qual me orgulho muito.

Ler Daisy Jones & The Six na beira da piscina, além de me trazer de volta os sentimentos que eu estava tentando evitar, também era como ter meu pai nos finais de tarde, me levando pra tomar sorvete na farmácia da esquina, só porque ele podia, só porque tínhamos a chance. Era retornar ao banco do passageiro e falar pra ele, orgulhosa, que eu tinha achado uma banda de rock boa o suficiente pra ter criado coragem de mencionar pra ele em primeiro lugar - justo ele, que passou 40 anos da vida fazendo uma curadoria das melhores. Se ele curtisse, se ele pedisse pra ouvir de novo ou perguntasse quem era - se ele se interessasse de alguma forma, eu teria ganhado meu dia. 

Esses são os álbuns que eu mostraria pro meu pai no carro, no caminho da escola pra casa, torcendo pra que ele gostasse tanto quanto eu. Se Daisy Jones & The Six fosse uma banda que de fato existisse, nós tocaríamos no carro assim:

01. Teatro d'ira: Vol. I - Måneskin


Sabe quando você esbarra em uma nova manifestação de arte, que antes você não conhecia, e pensa "isso foi feito pra mim"? Måneskin foi feito pra mim. É mágico ter match artístico, que te faz ser grato por estar vivo e ter a oportunidade de conhecer algo que fala à sua alma - algo que não acontece com muita frequência no capitalismo, onde ninguém fica feliz por estar vivo. Mas tem aqueles momentos, raros momentos, que você esbarra no trabalho artístico de alguém que preenche todos seus requisitos: Uma baixista gostosa? Tem. Um vocalista que poderia ter sua foto estampada na bandeira bissexual? Tem. Rock com muitos solos de guitarra? Tem. Músicas em italiano, pra facilitar que você finalmente aprenda a língua que mais admira? Tem também. 

É uma banda de rock italiana com um monte de gente gostosa, o que mais vocês querem de mim?

Teatro d'ira: Vol. I é o segundo álbum de estúdio da banda, e o mais recente. Totalizando apenas oito músicas, esse álbum foi escrito em sua totalidade pelos quatro integrantes, da primeira até a última nota, sem interrupção de compositores e letristas externos. É um trabalho que é pra ser deles, feito apenas por eles, contando sobre eles. E funciona. Meu Deus (Dios mio), como funciona. 

Se Måneskin fosse Daisy Jones & The Six, na verdade eles seriam só os The Six. Måneskin é definitivamente o que os irmãos Dunne achavam que eram quando começaram, quando só queria expressar a frustração de ser jovem na década do rock, e a eterna condenação de não se encaixar. Esse seria um álbum feito pelos The Six sem a presença de uma Daisy, sem a presença dos dramas e brigas e greves de gravação por não se suportarem. Quando tudo era arte e fraternidade, The Six teria feito esse álbum. 

Billy e Graham Dunne, ao se reconhecerem como futuros artistas, ao desejar a fama e a oportunidade de fazer música de garagem em garagem, provavelmente tinham o ar insolente e autoconfiante que Zitti E Buoni traz, com não só o sentimento de ser melhor que as mentes pequenas ao redor, mas o conhecimento de que isso é verdade. Coraline, que poderia muito bem chamar-se Camila, é uma música sobre essa personagem que sente tudo mais do que todo mundo, que é bondosa ao ponto de colocar suas necessidades atrás das que qualquer outra pessoa ("Coraline chora, Coraline tem ansiedade, Coraline quer o mar mas tem medo da água, e talvez o mar esteja dentro dela"). Essa música é um poema de amor de 5 minutos para Coraline, nossa Camila Dunne. É sobre reconhecer a pureza do seu amor, reconhecer que não é merecedor de tanta gentileza, mas oferecer o pouco que tens para dar ("Em troca não peço nada, só um sorriso, dada pequena lágrima sua é um oceano sobre meu rosto"). Coraline é definitivamente uma música que Billy Dunne, pré-fama, escreveria sobre Camila, o lugar onde ele achou o amor pela primeira vez.

Vent'anni, uma balada que vai crescendo conforme o desejo do narrador de se libertar das algemas dos vinte anos, demostra o maior medo de qualquer artista do rock: morrer e ser esquecido sem deixar nada significativo em terra. É uma homenagem ao quão deprimente os 20 anos podem ser, com a mistura de sentimentos diferentes vindo de todos os lados. É o sentimento pré-fama de qualquer artista que promete se manter verdadeiro ao lugar de onde veio, mas que mal pode esperar pra tudo mudar, e logo as lanchonetes de estrada dão lugar aos restaurantes que servem cocaína na bandeja. 

Teatro d'ira se traduz livremente para Teatro da Ira. Não acho que os The Six tinham essa ira enraizada ao se unirem - mas sei que cada um tinha a sua, individualmente. É a sina de qualquer juventude, de qualquer geração. Não é a ira dos affairs entre integrantes de banda, ou do Eddie querendo socar a cara do Billy no chão. Essa é a ira de qualquer jovem no século da depressão, onde sua raiva é só por estar vivo, por ser obrigado ao ser uma existência pensante. 

(Eu mencionei que todos os integrantes dessa banda são Geração Z? Isso é uma epidemia).

Para ouvir também: Lividi Sui Gomiti, I Wanna Be Your Slave, La Paura Del Buio

02. The Civil Wars - The Civil Wars


Quem é Daisy Jones e Billy Dunne na vida real? São eles. 

Os motivos pra isso dão conteúdo pra uma dissertação sozinha, e é tanta coisa e tantos detalhes que eu tive que ir atrás de fontes diretas** que soubessem me contar a história melhor do que qualquer pesquisa superficial no Google.

O que eu entendi lendo por cima e recebendo fofocas desses dois, é que ninguém sabe exatamente o que deu errado. O que te leva a abruptamente romper projeto e qualquer tipo de relacionamento com seu parceiro musical? O que acontecia nos bastidores, nos ensaios das harmonias de vozes de ambos, que casavam tão bem? Qual era de fato a inspiração nas composições que ambos compartilhavam? Como eram tão musicalmente íntimos e despidos, tão parte do próprio mundo, sendo casados com outras pessoas? 

Se Daisy Jones & The Six tivesse tido tempo o suficiente para ter mais de um álbum, algum dos não lançados seria qualquer um dos álbuns de The Civil Wars. Pedi que algumas amigas mestres no assunto me indicassem um, um que representasse um álbum não lançado de DJ&TS, perdido em fitas demos. A resposta foi a mesma: The Civil Wars, homônimo da banda. 

Conta a história que o álbum terminou de ser gravado em meados de 2013, e a esta altura a dupla já nem conseguia se olhar diretamente, como mostram filmagens tremidas de shows na época. Já tinham todas as bandeiras vermelhas levantadas: falta de contato visual, esquecimento proposital de agradecimentos em palco, a escolha por ignorar que ambos trabalhavam juntos. Antes mesmo desse álbum ver a luz do mundo, Joy e John Paul tiveram uma turnê interrompida, devido a "brigas internas e diferenças irreconciliáveis". Lembra alguém? 

Mesmo depois de largar uma turnê pela metade, o duo voltou com o álbum The Civil Wars, em um compilado de músicas que em sua grande maioria falam de devoção humana em contradição à devoção divina, relacionamentos fadados ao fracasso, traição e pessoas que vão embora levando consigo seus sentimentos. É de se pensar...

Meu primeiro contato com The Civil Wars, o duo, foi quando descobri a música Poison & Wine, tantos anos atrás, do primeiro álbum deles, o Barton Hollow. Essa música sempre foi minha música referência ao imaginar como soaria Honeycomb, o primeiro e famoso dueto de Daisy e Billy no livro. Se Honeycomb fosse uma música real - e vai ser, em breve, mas se fosse uma música que já existe -, seria Poison & Wine. O álbum The Civil Wars seria algo posterior, algo pelo final, algo que representa o conhecimento de sentimentos de ambas as partes, um sentimento que nem deveria existir, e que envolve mais de duas pessoas. 

A música que abre o álbum The One That Got Away, significativo logo no título, e o primeiro verso cantada é "I never meant to get us in this deep / I never meant for this to mean a thing". Se eu tivesse uma dupla em que canto músicas de amor com meu companheiro platônico, eu simplesmente escolheria não abrir um álbum com essas palavras, não depois de largar uma turnê por tensão mútua. É curioso que durante toda a extensão do álbum seja possível achar pistas de infidelidade, e cabe a você decidir se isso vem do eu-lírico ou do próprio compositor da música. Em Eavesdrop eles me entregaram minha letra favorita do álbum inteiro quando cantaram "let’s let the stars watch, let them stare / let the wind eavesdrop, I don’t care", o que te faz questionar o que exatamente os narradores tem de esconder.

The Civil Wars (o duo) por si só é uma experiência completamente Daisy Jones & The Six das ideias - mesmo que as músicas não se relacionassem à história, mesmo que as teorias não fossem semelhantes. Assim assim ficaria a pergunta: o que diabos aconteceu?

É a síndrome da Aurora de novo e de novo e de novo. 

Para ouvir também: I Had Me a Girl, Same Old Same Old, Oh Henry

03. Plastic Hearts - Miley Cyrus

Se Måneskin é os The Six sem a Daisy Jones, Miley Cyrus em Plastic Hearts seria a Daisy Jones sem os The Six. 

Se Demi Lovato teve suas 24 personalidades destrinchadas nos últimos dois posts, Miley Cyrus possivelmente teve o dobro. Mas sabe aquela sua persona que, por mais que seja falsa, é a mais legal de todas? A da Miley é essa. 

Tem uma certa nostalgia nessa nova onda do ressurgimento de mais músicas rock e punk voltando à indústria, seja lembrando-se do gosto musical dos senhores nossos pais ou só mesmo recordando de icônicas trilhas sonoras de filmes adolescentes dos anos 2000. Não importa quem somos hoje, todos nós já compartilhamos um sonho: fazer parte de uma banda de garagem, uma tão boa quanto a banda da Lindsay Lohan em Sexta-Feira Muito Louca. Tem algo que grita em celebração à nossa primeira juventude, à nossa rebeldia de adolescência, quando ninguém nos compreendia e tudo estava começando a mudar, mas solos de guitarra ainda podiam nos abraçar. 

Pra todos que tiveram seus lápis de olho e franjas lambidas pro lado, esse é um álbum pra você. 

Daisy Jones não precisava ser adolescente pra ser a maior das rebeldes, a menos incompreendida da turma. Acredito muito que Plastic Hearts poderia ser uma obra dela, só dela, em que ela usaria suas composições autorais pra propagar que prefere sua liberdade à prisão de uma banda (um amor) que nem sequer queria sua presença (I was born to run, I don't belong to anyone, I don't need to be loved by you em Midnight Sky), pra falar mal do Billy Dunne nas entrelinhas e ao mesmo tempo confessar seu amor na faixa seguinte. Sozinha, Daisy teria sido uma honestidade bruta e agressiva, assim como Miley foi nesse disco - mas sem nunca perder sua vulnerabilidade, que, mesmo escondida por trás de várias camadas de desilusão, ainda continua lá, intocável (High e Never Be Me, que falam sobre nada ser o suficiente, e sobre você mesma não ser suficiente pra ninguém).

WTF Do I Know, a faixa que abre o álbum, seria perfeita pra uma Daisy recém afastada dos The Six, sem remorsos, sem explicações pra dar, continuamente sustentando o discurso de que ela não precisa deles - não pode ser de fato o que ela acredita, mas sim pra irritar os que ficaram. A vingança favorita de um incompreendido é aparentar ter saído superior àqueles que não te levantaram, e eu acredito que um rompimento da Daisy (sem a carga emocional de seu envolvimento com Billy), poderia ter se dado assim. Mas como a história é outra, como temos nosso romance proibido de bastidores entre integrantes da mesma banda, a que melhor cabe na nossa narrativa mesmo é Angels Like You. 

Angels Like You é uma daquelas músicas que se encaixa com muitas coisas, diferentes coisas. Mas é definitivamente uma música que Daisy Jones escreveria sozinha, gravaria sozinha, só pra ter o Billy a acompanhando na guitarra no final. Mesmo que ele soubesse que grande parte do que está sendo cantado em sua frente é sobre ele mesmo. 

É um álbum sobre exaltar a si mesmo, sobre pontuar o quão superior e mais legal que todo mundo você pode ser - só pra depois quebrar essa expectativa confessando que você nunca vai ser a certa pra alguém, por estar constantemente se destruindo, por não querer mudar por ninguém. Nada mais rock 'n' roll do que pontuar seus defeitos e agarrar-se a eles, por não saber quem é de verdade debaixo de toda a persona rebelde que construiu depois de muitos traumas. Nada mais rock 'n' roll do que celebrar a liberdade com uma discografia quase que inteira compartilhando que sente-se preso em si mesmo. 

Daisy Jones é complexa o suficiente pra entender exatamente o que isso quer dizer.

Para ouvir também: Gimme What I Want, Hate Me, Golden G String

 04. Rumours - Fleetwood Mac


Vocês sabiam que esse tava vindo. 

Esse álbum é uma montanha-russa emocional de fofocas e intrigas - e o melhor é que não eram fofocas e intrigas externas. Era entre eles. Eles falando sobre eles, eles brigando via música, eles se obrigando a cantar e performar tais músicas. Que outro álbum te dá a oportunidade de experimentar uma música sobre amar seu atual namorado (You Make Loving Fun), o diretor de iluminação da banda, e ter seu ex marido não apenas sabendo disso, mas também tocando baixo na mesma banda? É bom demais.

Christine McVie e John McVie não eram os únicos que estavam separados e escrevendo sobre no mesmo ambiente de trabalho. Um só casal em conflito não era o suficiente. Entra Stevie Nicks e Lindsey Buckingham, sempre correndo juntos no precipício do amor e ódio, sempre em discordâncias, mas bons demais no que faziam pra saber que, pelo menos musicalmente, se completavam. Até contando a mesma história duas vezes, cada um em seu ponto de vista, nos ofereceu músicas individualmente muito boas: sobre a separação, Stevie fez Dreams, que já começa com a memorável abertura "Here you go again, you say you want your freedom / It's only right that you should play the way you feel it / But listen carefully to the sound of your loneliness", endereçado à Lindsey; Lindsey, por sua vez, a responde em Go Your Own Way com "how can I ever change things that I feel? / You can go your own way / You can call it another lonely day". 

Foi só em The Chain que todos os integrantes da banda colaboraram juntos, a única do disco em que eles cederam a fazer isso. A responsável por isso é a própria música: é sobre eles. É sobre eles já se odiarem em níveis inimagináveis, mas sobre não querer romper o vínculo, essa corrente que os unia segurando a única coisa que ainda tinham em comum: seu amor pela música que faziam. Tá tudo na própria música. Eles estavam ali, apesar do ambiente, por causa dessa corrente invisível que ainda os unia. If you don't love me now... definitivamente nunca mais amará.  

Os bastidores do processo da gravação do Rumours era caótico, problemático, doloroso e agressivo - eles não se suportavam mais, e ainda assim tinham de produzir dentro de um cubículo por dias e dias. Os sentimentos rompidos e a pressão de fazer-se vulnerável justamente na frente de quem te machucou foi algo que futuramente a Christine McVie caracterizaria como um "processo traumático". Stevie Nicks chegou a falar, também, que aquilo que eles estavam vivendo, naquele ambiente, não era normal: muita cocaína, muito dinheiro, e muita, muita angústia. Não precisa ser um grande entendedor de rock pra saber que essa é a fórmula mais antiga e mais bem sucedida de sucesso musical dos anos 70. Eles estavam no pior momento entre si, e é claro que isso resultou em um dos álbuns mais icônicos da história musical. 

Obviamente, o Rumours é nosso Aurora. 

Me limito a dizer só isso, sem apontar quem seria quem, que música seria o que. Se tem um resultado musical capaz de separar uma banda, esse seria o Rumours, como foi com o Aurora pra Daisy Jones & The Six. 

A essa altura eles já devem ter aprendido que quanto mais controverso e problemático, mais obcecados ficaremos. 

Isso é rock 'n' roll, baby. 

Para ouvir também: Never Going Back Again, Don't Stop, Songbird

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* Emma Blair é uma personagem da Taylor Jenkins Reid, do livro "Amor(es) Verdadeiro(s)", não tão memorável quanto suas irmãs;

** Mari e Babi, obrigada por contribuírem com seus conhecimentos de The Civil Wars!

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segunda-feira, 28 de maio de 2018

Uma análise sobre millennials; por Shawn Mendes


O que sempre me atraiu na música pop, e na cultura pop como um todo, foi o jeito como as pessoas dentro dela se expressavam e o modo como elas escolhiam contar histórias. Cada caso, obviamente, sempre é um caso, mas o conteúdo popular leva esse nome por um motivo: é popular porque faz sentido pra massa e conversa com pessoas de maneiras completamente diferentes. Como alguém que cresceu ouvindo Pink Floyd e Hannah Montana ao mesmo tempo, isso sempre foi algo que me fazia sentir falta nos outros estilos - os solo de guitarra que duravam 5 minutos e que meu pai adorava simplesmente não falavam tanto comigo quanto uma música com narrativa, que eu podia usar qualquer frase pra definir minha vida - e, naquela época, copiar tudo na minha agenda do ano. Como se as letras fossem algo que eu deveria ter falado sobre em situação x e não disse, mas naquele momento, finalmente, alguém tinha falado por mim.

Ainda sou uma das pessoas mais ecléticas que conheço pra música, mas tudo relacionado ao universo pop (e sua subcategoria: pop farofa) me tem de um jeito muito mais fácil e natural. "Nem só de indie viverá o homem", teria dito Jesus em alguma versão atualizada da Bíblia atual. A gente ainda vai conversar sobre como o indie é superestimado, em contraponto ao pop que é subestimado simplesmente por ser pop - "não é minha culpa ser tão popular" -, nos dando abertura pra discutir sobre como boybands são desvalorizadas simplesmente por terem foco num público feminino; e a gente aprendeu que tudo que é feito pra mulheres ou que é adotado por um público majoritariamente de mulheres é inferior, não é mesmo? Muito tempo atrás li um texto super válido sobre isso, que analisava essa aversão que a gente tem com kpop, ao mesmo tempo que falava de toda a trajetória de boybands na história mundial das boybands, desde os Beatles (que não seguiu sendo considerada boyband e sim apenas band, já que eles se tornaram cool o suficiente e passaram a ter homens participando do seu público, que originalmente era construído por meninas gritando enlouquecidas tanto pelo Ringo quanto pelo Paul) até a famigerada One Direction. Não dá pra negar a nuvem negra que boybands - e qualquer cantor solo com um público majoritariamente feminino - carregam nas costas, tendo que se provar constantemente porque o meio social parece não validar seu papel como artista, porque Deus me livre produções que chamam atenção de meninas em massa ser algo com qualidade. Foi como falou a Heidi Samuelson nesse texto, que lembra muito o primeiro já citado, mas com uma visão mais abrangente sobre as implicações sociais em rebaixar boybands:

Pop music is also frequently chided for its kitschiness or lack of integrity or meaning, which is fair. Let’s be honest, most pop songs are about love, sex, or having a good time. But that’s true of music across all genres. Music doesn’t have to be introspective or deep to be good or enjoyable. 95% of Led Zeppelin’s discography is probably about blow jobs and the other 5% is about Lord of the Rings, and I say that as someone who unapologetically loves Led Zeppelin. But we seem to judge pop music more for this.

Dito isso, entre acontecimentos que envolveram o lançamento de um álbum péssimos do Arctic Monkeys e o Harry Styles chegando na cidade maravilhosa, quebrando a expectativa de que a falta de gasolina iria lhe impedir disso, eis que surge um álbum pra ser meu amor e me tirar da solidão: Shawn Mendes (by Shawn Mendes).


A primeira vez que eu ouvi falar do Shawn Mendes ele tinha acabado de lançar uma música com a Camila Cabello, e eu não podia me importar menos com os dois. É provável que eu nunca nem tenha escutado o tal do dueto (que eu só sei o nome porque lembro do filme de mesmo título, suspense que eu morria de medo quando criança), mas isso já é comum pra mim, que só vim escutar I Don't Wanna Live Forever (dueto da Taylor Swift com o ZAYN) literalmente mês passado. A segunda vez que eu ouvi falar do Shawn Mends, ele tava no Brasil fazendo show e todo mundo estava obcecado porque aparentemente ele era legal demais. Quando eu digo todo mundo, eu quero dizer que até a Ingred me falou sobre uma crush aleatória no garoto simplesmente porque ele era alto. A terceira vez que eu ouvi falar do Shawn Mendes, TALVEZ ele tenha transado com o Nick Jonas. Mas em nenhuma das vezes que eu ouvi falar do Shawn Mendes foi me informado o tipo de artista que ele era, ou que ele tinha o método narrativo na letra da música, ou que a melodia dele tinha violão e piano do jeito que eu gosto, ou que ele era bom. Eu mesma reproduzia um pensamento errôneo - resultado de todo esse processo de "isso é coisa de menina obcecada por cara bonito" (sim, eu também sou vítima, ninguém é imune ao reflexo de misoginia da sociedade) - de que o menino canadense, alto e bonito, que parecia ter saído de uma turma de publicidade da PUC, não tinha nenhum conteúdo a me oferecer.

Felizmente eu não me impedi de ouvir Shawn Mendes, o álbum. E meus amigos, que bom que eu ouvi.

Sabe em 2008, quando a gente ficava sozinha no quarto pra ouvir Taylor Swift na era country e ler e reler todas as letras do álbum Fearless no vagalume (ou letras terra, meu favorito), absorvendo todas as narrativas que ela compartilhava com a gente e tentando encaixar nas nossas próprias histórias? Foi esse sentimento que eu tive ouvindo esse álbum.

Na faixa de abertura, In My Blood, Shawn abre o álbum falando de um sentimento que todo e qualquer millennial conhece muito bem: ansiedade. Como um bom representante da geração Y que é, Shawn descreve tudo que eu e você sentimentos durante um breakdown - a música literalmente começa com um "help me", e ele segue o resto da letra inteira pedindo silenciosamente por ajuda e passando o sentimento que é geral, mas muitas vezes incapacitante, de que ele só conseguiria sair daquilo com a ação de outro alguém, o que fica mais visível ainda durante a ponte em que ele repete "I need somebody now, someone to help me out", frase que também encerra a música como um todo. No final das contas, essa música é sobre aquele momento durante a crise em que você tá chorando água suficiente pra encher dois rios no chão do banheiro, ouvindo te mandarem fazer isso e aquilo pra sentir melhor, mas não obtendo sucesso em nada - "Keep telling me that it gets better. Does it ever?". É aquele momento de querer desistir de tudo, mas, num impulso, simplesmente desiste de desistir, porque não é do teu feitio fazer isso. Mesmo pedindo por alguém e implorando por alguma intervenção a música inteira, ele sabia que a resposta tava nele mesmo. Nas palavras do próprio Shawn:
It was kind of something that hit me last year. Growing up, I was a pretty calm kid. I knew people who suffered from anxiety, found it kind of hard to understand, and then when it hits you, you’re like, Oh my god, this is crazy. When I play that song, I go ‘Just so you know I’m okay. The best thing about it is that it’s not all down. The whole reason I wrote the song was to be like, at the very end, ‘It’s not in my blood to do that.’

Nervous é a segunda música do álbum, e logo no primeiro verso ele repete algo que já tinha feito em In My Blood - pegar partes da letra e jogar num ritmo que lembra fala, não canto. Parece que ele tá conversando contigo e te contando a história dele, como se fosse aqueles pequenos momentos durante um musical em que o personagem tá no meio de uma música mas começa um diálogo falado, mesmo com a melodia ao fundo. O resultado disso é a pessoalidade que o começo "I saw you on a Sunday in a café and all you did was look my way" aparenta, como se ele tivesse falando diretamente contigo, sobre aquele domingo que te viu no café. Também é sobre algo que todo millennial sabe muito bem: ter aquela crush em alguém e simplesmente não saber como proceder ao esbarrar com ela. Lost in Japan começa igualzinha às melodias japonesas que o Zeth sempre me manda escutar, daquelas que o piano te faz viajar pra outra dimensão, alguns séculos atrás, numa cidade de concreto iluminada demais pelas janelas dos prédios e vento frio no rosto. Infelizmente a música não fica assim durante os 3 minutos em que é reproduzida, recebendo uma atmosfera claramente inspirada pelo Justin Timberlake até o final. É sobre estar tão interessado em alguém que o fato de estar do outro lado do mundo não diminui o sentimento. Só que uma batida R&B, o que faz tudo parecer muito mais sexy e glamoroso do que realmente é.

Where Were You In The Morning? segue exemplificando minha tese de que o Shawn presta atenção o suficiente em letras iniciais de cancões - e é assim que ele te cativa. Assim como um texto qualquer, que escolhe começar de modo instigante, as letras do Shawn seguem a mesma premissa: começam a contar algo que tu automaticamente quer ficar lá pra saber no que vai dar no final. "You said: I wanna get to know ya; Why you gotta get my hopes up?" de novo focando em nós, pobres millennials, fazendo confusão onde não deveria ter, porque esperamos demais de algo que nunca existiu. É sobre aquele sentimento de ter perdido algo que nem começou de fato, de sofrer por uma desilusão que a outra pessoa nunca planejou te dar ou de esperar profundidade de algo que nasceu pra durar apenas por um período limitado de tempo. Like To Be You é um dueto, e particularmente uma das minhas letras favoritas do álbum. Parece uma discussão de casal que tu foi possibilitado de assistir de camarote, e o que eles falam um pro outro te dá vontade de intervir fazendo papel de mediador. Seguindo minha teoria sobre a força de frases de abertura, Shawn começa com "don't cry - or do, whatever makes you comfortable, i'm tired too", num tiro certeiro sobre todos aqueles momentos intensos que já tivemos com alguém e queríamos falar "não chora, mas se quiser chorar pode - não sei o que está passando na sua cabeça então não posso te cobrar nada". A Julia Michaels pergunta na estrofe dela se pode beijá-lo, porque a essa altura eles estão tão desconhecidos um para o outro que ela não consegue ter certeza do que pode fazer ou não. O refrão é aquele momento assustador que você se toca que já não conhece mais aquela pessoa o suficiente, mas que "ainda morre de vontade de conhecer", porque entender o que se passa na cabeça dela significa intimidade e intimidade é convívio e convívio é amor. "Tell me what's inside of your head, no matter what you say I won't love you less", vibe que o John Legend já tinha feito antes naquela frase da famosa All Of Me - de longe minha parte favorita da música: "what's going on in that beautiful mind?". Eu sempre tive um fascínio por pessoas que se importam o suficiente com as outras pra tentarem entrar na cabeça delas - porque elas são that important, e conhecê-las de modo tão profundo seria um privilégio.

Fallin' All In You também é uma narrativa - daquelas clichês, tão clichê que tem a frase "if I'm dreaming, please don't wake me up" no meio; sobre se apaixonar, e sobre se dar conta disso enquanto a pessoa tá entrelaçada a ti assistindo o pôr do sol. Não sou mais uma fã do Ed Sheeran como antes, mas quem disser que o + e o x são álbuns ruins tá totalmente equivocado - e essa música parece que saiu de um deles. Até os vocais são parecidos. Fiquei tão assustada com isso que fui pesquisar e descobri que o Ed Sheeran de fato faz o backing vocal dessa música e ajudou a escrever. Explicado. Particular Taste, por outro lado, é outra narrativa, mas dessa vez colocando em perspectiva uma mulher que não tá interessada em nada e se diverte mais iludindo homens do que se relacionando com eles. É tudo sobre o jogo e sobre a personalidade da personagem principal da música, que não permite que ela leve romance nenhum a sério. Parece uma música que teria entrado no álbum Harry Styles (by Harry Styles), uma vez que todas as mulheres mencionadas pelo Harry em música seguem exatamente esse tipo, independente e doesn't care for none of it (pesquisar: Carolina, Kiwi, Only Angel). O Shawn passa a música inteira falando sobre o quanto tá obcecado por ela garota, mesmo sabendo de tudo isso, e toda a narrativa que ele cria pra te apresentar a personagem é o que te prende.

Se Fallin' All In You parece uma música do Ed Sheeran, Why parece uma música do Sam Smith. Tem o R&B, tem o peso do ritmo e da melodia e tem o modo sofrido de cantar, daqueles que te faz achar que uma dor de cotovelo não vai ser curada nunca. Essa música em especial é o exemplo perfeito pra tudo que eu falei sobre frases iniciais, e a estratégia que esse álbum mostrou em te obrigar a permanecer ali acompanhando aquela história cantada - porque tu tem que saber como vai acabar. Why começa com "I know a girl, she's like a curse", te deixando curioso pra saber quem é a garota e o que exatamente ela faz pra ser uma maldição. Conforme tu vai acompanhando a narrativa que dá base a música, descobre-se que a situação inteira descreve uma atração mútua em que as duas pessoas não conseguem falar sobre isso, e ficam sofrendo em silêncio quando podiam simplesmente expor os próprios sentimentos. Ahhh, os millennials e essa mania de sofrer por algo que seria tão mais fácil de lidar. Essa música em especial ilustra bem demais sentimentos que todo mundo tem, e como a música pop casa com o ato de contar histórias - coisa que a Taylor Swift amava fazer (vide Enchanted, música feita pra falar sobre a situação de conhecer alguém e ir pra casa implorando pra todos os deuses que esse alguém já não tenha outro alguém; e a minha favorita, All Too Well, em que você literalmente entra numa história alheia e vive os pequenos detalhes do relacionamento junto com eles, e termina sabendo que o Jake Gyllenhaal ficou com o lenço da Taylor e usa até hoje) - como nessa parte totalmente #relatable da música que diz "and you say 'hi' like you just met me; why do we put each other through hell?".

Because I Had You também parece uma música do Ed Sheeran misturada com Love Yourself (tecnicamente do Justin Bieber, mas escrita pelo Ed). Outro clichê sobre deixar aquela pessoa ir embora e sofrer por ser idiota. Jovens, né? A próxima música, chamada Queen, me surpreendeu quando me dei conta de que também era uma das minhas favoritas. Parece uma música que, caso a vida fosse um musical, tu começaria a cantar pra garota babaca-e-popular-demais da escola, ou pra qualquer outro personagem que se acha muito mais do que é. Como eu disse, situações reais, que todo mundo passa, narradas com ritmo. Tenho ranço de quem tem ego suficiente pra duas pessoas e que se orgulha disso, então eu total gravaria essa música caso me fosse dada a oportunidade. Nas palavras do Shawn:

[…] I just hate people who think they’re better than other people. There’s no reason to. It just bugs me, man. My least favorite trait in somebody is when you can feel them acting like they’re more important than you, and I just had to write a song about it. I thought the best way to talk about it was to be like, ‘You’re not the queen of a country.’

Youth foi escrita após o ataque terrorista em Manchester que aconteceu no show da Ariana Grande, em 2017. A canção é descrita como um hino de esperança pra todos nós, e diz que se tem uma coisa que não vão conseguir tirar da gente, é a nossa juventude. Baque após baque nossa alma fica aqui, mesmo despedaçada, mas é só acordar um dia após o outro pra que ela comece a curar. Pra mim essa música resume todo o sentimento Geração Y que eu senti com o álbum inteiro: nós estamos aqui e estamos todos unidos pela força dos sentimentos que temos como um conjunto.

feel devastion again,
my heart is broken,
but i keep going.

Mutual é uma versão mais suave de "Do I Wanna Know" dos Macacos do Ártico, no mesmo questionamento desesperado que quer saber se esse sentimento é tanto meu quanto seu, se eu deveria desistir ou continuar tentando. O que exatamente você quer? Sério, não dá pra ficar mais #relatableteenagedrama que isso. "I want you bad. Can you reciprocate? No, I don't want to have to leave. But half of you is not enough for me." Eu disse que era uma versão mais leve, mas, no final das contas, é um tapa na cara emocional tanto quanto. A penúltima música do álbum, Perfectly Wrong, já começa com uma referência a Romeu e Julieta: "taste the poison from your lips; lately, we're as good as gone". Percebe a importância de estabelecer um começo que prenda quem tá escutando? Me admira demais a criatividade da música pop. A melodia é tão poética quanto o começo escrito, e repete várias vezes que aquela pessoa é perfeitamente errada e é exatamente por isso que ele não consegue largar. O maior vício do millennial, mesmo aqueles que são obcecados em fazer tudo certo e surtam só com a ideia de quebrar regras (cof cof quem?), é permanecer em algo que sabe que é errado ou que simplesmente não tem jeito. A gente é completamente desfuncional, sabemos disso e desejamos continuar.

E finalmente, When You're Ready. A última música do álbum, que finaliza com o sabor doce de esperança de amar tanto alguém que esperar por ela é tudo que você pode oferecer, uma vez que, como já aprendemos em How I Met Your Mother: timing is a bitch. Essa premissa a Demi Lovato também usou em Only Forever, do seu último álbum, música que todo mundo diz que é pro Nick Jonas - o mesmo Nick que também dizem que ficou com o Shawn. E vocês achando que só a cidade de vocês que era um ovo.


Only Forever, da Demi, é uma música que dolorosamente fala sobre saber que está destinado a ficar com aquela pessoa mas saber também que o custo a ser pago por isso é muito alto. Esperar o momento mais propício, então, parece a melhor opção. Ambas as músicas me lembram muito o método que eu uso pra escrever narrativas românticas, e o plot que eu escolho pra ambientar isso - aquele amor paciente que não pareceu servir em determinado momento, mas que é tão puro e tão certo que esperar por ele não parece nenhum sacrifício. Me faz lembrar paixões inocentes da pré-adolescência, crushes em amizades que tu prefere não estragar, misturado com aquele sentimento de conhecer a pessoa mais do que ela mesma se conhece, algo que foi bem explorado pelo Shawn no álbum todo. É a música perfeita pra fechar uma coletânea perfeita de experiências de jovens millennials que sofrem por paixões rápidas, amores duradouros, ansiedade, ranço e orgulho de ser jovem. É a música perfeita pra fazer a gente sair dessa experiência musical esperançoso com o romantismo que ainda existe no mundo.

O álbum inteiro do Shawn Mendes é uma coletânea de narrativas sobre o que é sentir, sobre errar e querer permanecer no erro, sobre querer o que você sabe que não é pra você e querer o que você sabe que é, mas não consegue fazer nada a respeito. É um álbum literalmente sobre ser humano, e sobre ser humano e jovem. É sobre ter de novo aquele sentimento da pré-adolescência, que ouvia histórias sobre acontecimentos que pareciam narrativas saídas de filme - mas agora é ouvir sabendo que essas narrativas existem sim, e conseguir se ver dentro delas.

Graças a Deus não me privei de ouvir Shawn Mendes por achar "conteúdo pra menininha". E mesmo que seja, nós menininhas merecemos mesmo músicas pop que falem por nós. O fato de não ter macho chato na platéia é só um bônus.

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Eu não planejei fazer uma newsletter destrinchando todas as músicas novas do Shawn Mendes, isso simplesmente aconteceu. Mas quem pode me culpar? Não precisa ouvir as músicas (tô só sendo educada, precisa sim!!!), mas vocês já viram A CAPA??? Apreciamos a arte. De fato não é nada original - vide o Marcelo Monreal, artista brasileiro conhecido pelo trabalho seguindo o mesmo estilo - mas é visualmente linda, e é disso que o Brasil gosta. O álbum tá aqui pra quem é de Spotify, e em outras plataformas pra quem é de outras plataformas. Não estou sendo paga pela promo.

O que a música pop me deu durante todos esse anos foram narrativas que podiam muito bem fazer parte de uma história - seja num musical (bandas com musicais: Queen, Green Day, ABBA), seja numa cena como trilha sonora de um filme, seja complementando minha própria história enquanto escuto tudo nos fones de ouvido durante uma viagem e repenso todas minhas escassas, porém importantes, experiências.

E as melhores ainda me ajudam a criar histórias que nunca vivi de fato, mas que minha cabeça toma como verdade. E aí é todo um universo paralelo (no qual eu adoro viver).

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(a Juzinha fez essa foto pra mim quando eu ainda nem sabia que o Shawn Mendes tava lançando álbum novo, muito menos que a capa era assim. só achei lindíssimo. e ela achou que era cabível meter minha cara no meio. não reclamo.)

até a próxima,
deni out. 🌻

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